Mirando un campo que se dilata

martes, enero 5th, 2021

La reciente concesión a Marta Cárdenas (San Sebastián 1944) del también recién creado premio Xabier Sáenz de Gorbea es una excelente noticias.  Supone en esta primera entrega un reconocimiento a la labor  de investigación y creación artística de esta artista donostiarra a la cual tuvimos el placer de escuchar con ocasión de los Encuentros con Artistas promovidos por el Museo de Bellas Artes de Bilbao en marzo de 2019  dentro del marco de la exposición: Después del 68.  

Lo que nos interesa destacar del trabajo de Marta Cárdenas, es esa aproximación a la pintura Ch´an, de la época  ilustrada China, tradición que luego pasó a Japón,  ella explica cómo, después de un viaje por oriente, el descubrimiento de esta tradición milenaria, le provocó una especie de ” caída del caballo sauliano” porque cambió, desde ese momento en el año 1996, todo su modo procesual de trabajo.

Toda la línea de pensamiento ilustrado occidental que va de Sartre a Lacan, permanece dentro de los límites de un cierre conceptual desde el que la visión se teoriza, todavía, desde el punto de vista de un sujeto como centro del mundo. Pese a que esa centralidad del sujeto se deja desmantelar y fragmentar tanto por Sartre como por Lacan. Para explicar su tesis en términos pictóricos Lacan nos remite al cuadro de Holbein Los Embajadores. Los embajadores son maestros del aprendizaje, poseen todos los códigos del conocimiento, de las artes y las ciencias y brillan en su entorno social, sin embargo su campo visual se deja penetrar y atravesar por algo que no pueden controlar, esa calavera que irrumpe, contamina y corrompe su espacio óptico mediante los recursos de la anamorfosis. El efecto de inserción en la pantalla de esa calavera, -de esa muerte- (scotoma) no es otro que el poner de manifiesto que la pretendida centralidad y control del sujeto vidente es tan ilusoria como las del sujeto que habla. La visión es un producto social. El retrato Lacaniano de lo imaginario confirma que la propia visión no es universal, sino culturalmente mediada

Lo visible se apoya y se deja interpenetrar por lo que cae fuera de la visión, por una Mirada de otra visión envolvente que se desvanece por todos lados. Una técnica capaz de sostener una representación mediante una práctica que la disuelve: la técnica que los japoneses denominan “tinta esparcida”(flung ink)

“Cusndo el pintor lanza la tinta, es esa misma gestualidad la que muestra su renuncia a cualquier pretensión de actuar como centro del universo”

El juego del secreto

martes, octubre 6th, 2020

Hasta el 6 de noviembre permanecerá en la Galería Aire de Bilbao la muestra de Txus Meléndez: “Estropezuka A Trompicones”. Txus Meléndez, es un artista y profesor de Bellas Artes, que no se prodiga demasiado. Como si se tratara de un puzle imposible, esta exposición, invita, apela incansable a la complicidad del espectador. En este puzle, como en el juego del secreto, los niños y las niñas cantan en corro la salmodia: “Garde bien ce que je donne, ne dit rian à persone”.

El juego del secreto establece las relaciones afectivas que urden la trama del grupo. El objeto, señal de elección y transmisión  es, como todo símbolo, la materia que hace tangible la relación. Como todo símbolo, en efecto, no se señala a sí mismo, sino que representa. La función del símbolo es la representación. Y en este caso, aquello que se representa mediante un objeto de poder -el retrato- es una relación, la relación de pertenencia de los individuos a su grupo. Violar el secreto es, en este sentido, hacer uso, indebidamente del símbolo para violentar los límites o fronteras del grupo. El secreto protege la identidad del mismo. No importa lo que te doy, sino que te lo de. Guarda el don en secreto porque de ese secreto depende la transmisión de poder.

 

Arte y mercado

lunes, enero 7th, 2019

Desde Baudelaire en adelante, pero más exacta y ampliamente durante el arco de tiempo romántico y burgués hasta nuestros días, toda la verdad oculta del arte reside en la vanguardia, la cual estructuralmente hablando se subleva perpetuamente contra el orden del mercado, realizando de todos modos, por la misma fuerza del mercado, la desordenada aventura de la razón comercial del arte.

C

Museo y mercado son absolutamente contiguos y comunicantes. El ingreso de cualquier vanguardia entre las paredes asépticas del museo, es paralelo y complementario a su llegada al mercado. La llegada al museo es la prolongación superior y extrema del arte como mercancía, y donde producto artístico se convierte en aquella cosa que no hay dinero suficiente para comprarla.

TZ BIKOITZ /DOBLE

jueves, noviembre 15th, 2018

TZ BIKOITZ / DOBLE 

El artista británico Peter Blake no pudo evitar crear una obra protagonizada por Montgomery Clift en las ruinas de la antigua  Paestum, en Italia, tras descubrir que el popular actor estadounidense tenía una hermana gemela. Sin duda, esta anécdota resume la curiosidad, fascinación y el magnetismo que tiene entre nosotros lo gemelar y lo duplicado, potentes conceptos que en gran medida ejemplifican armonía y equilibrio, o todo lo contrario, inquietud y perplejidad. Lo doble y lo dual están muy presentes en los aspectos cotidianos y, por extensión, han sido fuente de teorías y vertientes filosóficas encargadas de profundizar en todos los fenómenos del universo y de la naturaleza humana, como la teoría del Yin y el Yang, o de principios contrarios y eternos, como el maniqueísmo. Su plasmación artística se puede comprobar en el inquietante desdoblamiento real onírico presente en obras surrealistas como la de Nikolás de Lekuona o en el atractivo plástico que genera el carácter binario y aparentemente especular de piezas escultóricas como las de Jorge Oteiza, Ángel Bados o Txomin Badiola que se recogen en la sala.

KIRMEN URIBE  EN    A B C   EL ALFABETO DEL MUSEO DE BILBAO

Retornos

viernes, noviembre 2nd, 2018

Mediante el uso metafórico de un eje vertical diacrónico o histórico y una detallada genealogía acreditada de los movimientos ocurridos en la historia del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta nuestros días, y otro eje horizontal o la dimensión social del arte, el historiador y crítico americano Hal Foster (1955) sostiene en una de sus más conocidas tesis, cómo tras el arte como texto de los años sesenta y el arte como simulacro de los 80, venimos siendo paulatinamente testigos  de una suerte de retorno de lo real, -retorno de lo reprimido- que ha terminado  por asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales. Esta dimensión social del arte, podría servirnos para considerar con Hal Foster cómo en nuestras sociedades contemporáneas no existen ya “obras de arte”. Existen, no obstante, un trabajo y unas prácticas que podemos denominar artísticas. Tienen que ver con la producción significante, afectiva y cultural, y juegan papeles específicos en relación a los sujetos de experiencia y con la impulsión pública de ciertos efectos circulatorios, efectos de significado, efectos simbólicos, efectos intensivos… afectivos.

Otro Family Plot

sábado, octubre 7th, 2017

Txomin Badiola entiende la obra de arte como la expresión de un conflicto entre discursos, formas, sentidos, signos y referencias. Asume una actitud de permanente crítica en relación con las posibilidades de hacer arte y con las circunstancias de su presentación y legitimación.

Entrecruza la historia del arte con la biografía íntima

Parete Organizzata

sábado, octubre 1st, 2016

Podríamos decir que esta pared por presentarse en un territorio limítrofe entre el arte,  la arquitectura, y el objeto de diseño, tiene como obra de arte la capacidad de captar la atención de quien la observa, de su espectador. Siguiendo a Merleau Ponty, reconocemos que la percepción es un acto de doble cara:  inmanencia y trascendencia.

txomin-badiola-foto-sonia-aguilera2-1024x683

Mientras recuperamos el sentido inmanente de la obra, en la experiencia de estar junto a ella, la misma obra que como principio creativo-formal discute la idea misma de contenido, trasciende la experiencia misma y nos reclama un “más allá” un infinito que no podemos aferrar, de este modo la obra, metafóricamente hablando se convierte en una ventana de infinito, y estimula nuestra capacidad de imaginar.

Si la pared se ha convertido en pared de infinito, ¿cual será el soporte, el fondo sobre el cual acontece la experiencia?. La respuesta no puede ser otra que existencial: El acto de objetivar la acción misma de habitar en términos arquitectónicos es simplemente el lugar donde se habita, una pared de arte es una pared de infinito. La pared es comunmente pensada como límite, siendo límite porque es una cosa propia de la disciplina arquitectónica, es al fin, aquí, muestra de la capacidad representativa del artista.

Concepto

jueves, septiembre 8th, 2016

Concepto: Representación intelectual y abstracta de un objeto. Un concepto atrae a su opuesto, y al revés. Y lo que en un momento preciso se muestra estático y evidente pasa a no serlo, sino que se percibe sometido a un proceso dinámico y constante de evolución.

nauman-face

Glass

jueves, abril 21st, 2016

Cuando la parte iluminada de la palabra cae en la noche, la otra parte de la palabra que no estaba iluminada flota en la noche, oye la noche, se comunica con el poeta en la noche (Oteiza)

Txus

Con exacta dulzura, asió la mano de su madre (A.G.)

Del verano

domingo, agosto 30th, 2015

Extraer una capa del verano que, a través de todas las demás, capta y prolonga la trayectoria de una transformación y teje entre todas las capas de lo vivido un conjunto de relaciones no localizables, desprendiendo así el tiempo no cronológico del verano.

acuarela