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El arquitecto y segundo director de la Bauhaus Hannes Meyer (1884/1954) proyectó la instalación «Co-op interieur 1926» como un espacio vacío y blanco. Si las nuevas sociedades pueden hoy ser definidas como sociedades del trabajo inmaterial, es decir, sociedades del conocimiento,debemos reconocer entonces la labor de las y los artistas como productoras y productores  que operan en ellas como genuinos participantes en los intercambios sociales de producción intelectual y producción deseante.

El artista como productor;es a) un generador de narrativas de reconocimiento mutuo; b) inductor de situaciones intensificadas de encuentro y socialización de experiencia; y c) un productor de mediaciones para su intercambio en la esfera pública

Redefinción de las prácticas artísticas s.21 (LSA 47)

Bella es una casa, si responde a nuestro sentimiento vital, esto exige Luz, Aire, Movimiento, Horizonte y ocasionalmente algunos objetos que enriquecen nuestra experiencia, como por ejemplo, el vinilo editado por Miguel Á García – Eyezorros –  diseñado por Raúl Domínguez que en sí mismo es un lujo para los sentidos

Buena parte de nuestra vida diaria se ha alejado tanto de las necesidades básicas comprensibles que resulta poco común vivir lo fundamental. Estos días pasados  escuchando Eyezorros en mi viejo Vieta Uno de los 70s,  he reflexionado sobre algunas cuestiones técnicas y artísticas y cómo la actividad productiva y su espacio  de inscripción, no es otro que el dominio público, es decir, el espacio social presidido por los actos de intercambio.

El encuentro de tres arquitectos muy jóvenes. Antonio Bonet, Jorge Ferrari Hardoy y Juan Kurchan, en el estudio de Le Corbusier en 1937, inicia una relación que se consolidará en planes para la fundación de un grupo inspirado en el espíritu asociacionista del GATCPAC.

Austral será el nombre consigna adoptado, que resume el ambiente reivindicativo de una identidad propia para ese mundo multilingüe que es Buenos Aires en la década de los treinta, ciudad en la que se establecen y  en la que  pretenden enhebrar lo social, lo territorial y lo técnico.

El sillón BKF diseñado por este trío de arquitectos adquiere una gran difusión y notoriedad durante los años cuarenta y cincuenta del siglo XX y actúa como sello de existencia de ‘lo moderno’ allí donde se percibe su presencia, a veces de forma contundente, a veces como inquietante silueta. En la imagen  en La Ricarda (1950 1963). La casa proyectada y construida por Antonio Bonet en El Prat de Llobregat

La aparición de las vanguardias europeas a principios del siglo XX convulsionó las bases expresivas de las distintas manifestaciones artísticas. Centros como la Escuela de Arte Vitebsk, fundada por Kasimir Malevitch y el grupo de vanguarda Unobis, a la que pertenecieron notables artistas del constructivismo ruso, o la célebre y tan nombrada Bauhaus en Alemania, sentaron las bases y modos de hacer del que todavía hoy en día en pleno siglo XXI todavía nos sentimos en cierto modo deudores y continuadores. Es por eso que cuando vi algunos trabajos de Gabriela Muñagorri, enseguida me sentí atraida por sus diseños y tentada de invitarla a visitar Imatra para conocer más de su trabajo. Las fotos de Gabriela que acompañan este escrito fueron tomadas por Carlos Lemke, en una de las visitas, que realizaron juntos a Imatra,  los encuentros fueron sumamente cordiales, tratando de encontrar un nexo de unión y un territorio de colaboración.

En las imagenes Gabriela Muñagorri fotografiada por Carlos Lemke en el estudio de diseño Imatra, se presenta a sí misma de este modo:

«Estudié Bellas Artes y me especialicé en escultura. Hasta que llegué paulatinamente al diseño y a la moda desde una experiencia docente en la escuela de diseño modo LCI de Barcelona (2004-2009) trabajé con los medios de la danza, el vídeo y el dibujo e hice los cursos de doctorado ‘Práctica y límite de la escultura’ en la UPV EHU. En estos momentos, trabajo en una tesis doctoral que versa sobre el vestido de moda y en mi marca. Ambos trabajos suponen estudiar elementos característicos de la historia de la moda y de la historia del vestido; lo que la moda y el vestido nos aporta y qué supone diseñar desde la moda. En paralelo, de vez en cuando, elaboro objetos (cosas) reutilizando excedentes textiles»


Continúa Gabriela: «Cuando diseño patrones textiles, el elemento formal principal es el color. Mejor dicho, la composición de colores en el espacio. Trataré de explicarme: trabajo sobre el color y sobre el espacio con colores y formas reconocibles (geométricas y figurativas -flores, el motivo de la nadadora, etc-). Esto es, trabajo sobre el color en el espacio, porque trato de representar tres dimensiones de distintas formas, porque diseño los patrones para que las telas donde se estampan se puedan utilizar tanto en accesorios como prendas, porque trato de imaginar cómo los utilizarán (llevarán y combinarán) distintas personas y, porque suelo visualizar muchos estampados como fondos (superficies espaciales)

TEMPLO POST-CANON (Arquitectura de Resistencia o Piel Desfavorable)

Degas prefería trabajar en salones cerrados, como si retroactivamente el destino de la obra decidiera su lugar; para Cuasimodo, como para Cezanne, el taller es el mundo, como si piel, la cáscara, el huevo, la catedral, el mundo fuesen indiscernibles, como si compusieran el espacio doble de la consistencia y de la convivencia:

Una habitación sensible y corpórea en la que el aire se funde con la piedra. Espacio epitelio es la residencia de la mirada, de la voz, del tacto, la morada del vínculo. Se trata de vivir en la piel, ser la piel, bajo todas las formas que encontrarán los espacios donde habita el habitar, donde la arquitectura se independiza para simbolizarse, desde el reconocimiento del cuerpo como tempo, al reconocimiento del cuerpo en el templo. No hay canon en el cuerpo, y todo modelo se oficia contra él, en nombre de un ideal simbólico que domestica conforme extirpa los laberintos corporales.Las reglas desvelan entonces la curvatura corporal irreductible del espacio, y aún inyectadas como objetos extraños para canonizar el cuerpo, acaban plegándose a la fuerza del deseo. Vivir en la piel apela a reconocer el mundo como cuerpo, no propio, sino común.

 

TEXTO: JUAN LUIS MORAZA

HABITAR TEXTOS

En la Teoría Pitagórica el Cosmos entero es armonía y número, pues la teoría pitagórica tenía un origen parcial en el descubrimiento de las sorprendentes analogías que se dan entre la música y las matemáticas. ¿Cómo habría empezado el asunto?…. Al parecer, Pitágoras, encontrándose casualmente en una fragua, oye cómo resuena el yunque al ser golpeado por un martillo, con un onomatopéyico «tran tran»  un compás de seguiriya quintaesencia de la jondura e intuye en ese preciso momento  la especial semejanza entre ese sonido y el sonido que nosotros llamamos «a la octava», y además que entre ambos se da una relación matemática. Nadie puede asegurar a ciencia cierta que esta visita de Pitágoras a la fragua sea algo más que una leyenda, como de hecho casi todo lo concerniente a la vida de Pitágoras. En cualquier caso, se atribuye a este genial matemático la invención del monocordio (también llamado «canon de Pitágoras«), es decir, una cuerda tensada sobre una caja de resonancia, provista de un dispositivo que permite modificar a voluntad la longitud del fragmento de cuerda que queremos hacer vibrar.

Consideremos ahora la secuencia de notas que forman una frase musical en una sencilla melodía. En última instancia, la frase puede ser presentada como una sucesión de meros sonidos producidos por un objeto material, una cuerda para el caso. Los sonidos no surgen de forma azarosa, sino mediante regulación de la cuerda que los produce, la cual obedece de dos maneras al registro matemático. De entrada, a la hora de explicar la distinción misma  entre los sonidos producidos (es decir, la marca identificadora de cada sonido),  lo determinante es el número de vibraciones en las cuerdas, de tal manera que matemática es ya la cualidad misma del sonido susceptible de ser utilizado. Cuando ya tenemos un conjunto amplio de sonidos bien diferenciados entre si,  a la hora de seleccionarlos para forjar la secuencia constitutiva de la frase musical  introducimos por algún método un criterio de combinación proporcional o armónico. Tenemos pues, aquí, una vinculación entre cosas que en apariencia son totalmente dispares: algo indiscutiblemente físico como es el sonido y algo que de entrada parece una construcción del espíritu humano.

Supongamos ahora que el surgir inesperado de la aludida frase musical nos embarga de emoción. La emoción es un fenómeno de orden psíquico, la melodía es, en última instancia una sucesión de fenómenos físicos. ¿Cómo puede darse una relación de efecto a causa? La Tesis Pitagórica sostiene que ambos órdenes de realidad, tan diferentes en apariencia, tienen el común denominador de la proporción, que la regulación de la cuerda afecte al alma sugiere al pitagórico que, en realidad (al menos en una de sus facetas), el alma es al cuerpo humano como la combinación de las longitudes es a la cuerda. Y dado el carácter armónico de la regulación efectuada, el cuerpo es tensado también de forma análoga. Sin duda la explicación tiene puntos oscuros: ¿La armonía de la cuerda se comunica al cuerpo? y de ser así ¿A través de qué vehículo lo hace? ¿O Diremos más bien que la primera se transforma en armonía del cuerpo?. En cualquier caso la explicación tiene la ventaja de existir pues abrir una interrogación sobre un fenómeno indiscutible (hay músicas que conmueven) y avanzar al respecto alguna conjetura razonada es siempre preferible a ser sujeto pasivo de ese fenómeno. Y desde luego, ello ayuda a explicar ciertas teorías respecto al alma avanzadas por los pitagóricos. Si se estima que el alma tiene la combinación numérica correspondiente a las proporciones de la cuerda, es entonces relativamente lógico sostener que otras cosas del alma también son número, o más bien una determinada proporción de números.

En suma: los pitagóricos habrían empezado por constatar que las consonancias y las armonías musicales respondían a relaciones numéricas y, animados por tal descubrimiento, buscaron otros puntos de correspondencia entre los números y el mundo. El éxito los llevó entonces a considerar que «el Cosmos entero es armonía y número».     

Trío de cuerda: Soldadito Marinero.

Trío de cuerda Soldadito Marinero es una formación musical con sede social y domicilio fiscal en la calle Costa 12-14 de Bilbao.

Investiga la relación de las matemáticas con la música. En este momento en que la figura del artista vive todavía en muchos casos nutrida por fantasías e imaginarios pertenecientes a otros ordenamientos antropológicos, este  trío de cuerda, está abierto a incorporar nuevos miembros, en su formación en el convencimiento de que cuando algunos conceptos deben ser revisados y competir con otras perspectivas también atractivas, formaciones musicales como esta, aún resultan un alivio para las mentes abiertas y no hipotecadas por cualquier tipo de tara.

El ensayo de hoy rinde un homenaje a Vini Reilly (Live 1984) músico y guitarrista británico de nombre artístico » The Durutti Column» y a  Ian Curtis (The missing boy) de Joy Division, a New Order y muy especialmente a José Luis Brea, con quien compartimos momentos irrepetibles en Imatra

Con cariño y agradecimiento por los préstamos  a Victor Gómez Pin y Emmanuel Lizcano y gracias también a lxs envíos de comentarios tan interesantes, hasta el momento: Luis, Inframince, Iñaki, Juan Carlos, Girl, Melkíades….. 

 

En la sugestiva producción artística de Rut Olábarri, una máquina parece poner en juego varias estructuras simultáneas que atraviesa y a las que pone en incesante movimiento. Podríamos hablar entonces, en primer lugar, de una máquina social constituida por un ámbito de dominio: El Doméstico, constituido por un cuerpo (campo) lleno de imágenes que ella crea para conformar un continuo siempre  cambiante y divisible en partes más pequeñas, en detalles minuciosos y en simetrías apariciones y desapariciones. Tiene la capacidad Rut, de introducir los fragmentos en fragmentaciones siempre nuevas  sobre las cuales se proyecta lo puramente visual. Lo visual de la casa y lo doméstico queremos decir, tan integrados ambos en nuestra intimidad personal, pues para Ajuar Doméstico consideramos lo familiar y lo privado como una opción política vista desde lo personal o subjetivo, en la que lo privado podría considerarse así desde lo social y lo propiamente político como alternativa. La regla de producir es siempre el producir al producto y esta regla se cumple ampliamente en los trabajos de Rut Olábarri

La primera estructura comporta al menos un elemento que no es funcional con respecto a ella; pero que lo es tan solo en la segunda. Se trata de la relación de la mirada con el dibujo, y probablemente de la anulación  intencionada de la mirada. Una mirada modernista si nos atenemos a los objetos que aparecen en las imágenes de Rut y que ella suele calificar «cosas de antes» y a los estampados Modern Painters de John Ruskin que Rut diseña admirablemente para los vestidos de sus heroínas inspiradas casi siempre en su bisabuela y abuela por un efecto de repliegue sobre la historia real de esas magníficas mujeres que resultan de una actualidad sorprendente para nuestros intereses en Ajuar Doméstico pues si las nuevas sociedades pueden hoy ser definidas como sociedades del trabajo inmaterial, -sociedades del conocimiento-, hay que reconocer entonces que a las prácticas de producción simbólica orientadas a la producción transmisión y circulación en el dominio público, de los afectos y los conceptos, les corresponde un total y absoluto protagonismo.

Era toda de viento; un proyecto de casa. El sueño de una casa. Nos podríamos perder en él: un tabique, una pared maestra, o bien solo el marco de un muro no hecho aún, el paso vacío de una puerta. Errábamos por la teoría de una casa, no por una casa ya hecha y real.

En toda actividad artesanal existe el impulso a vencer una resistencia; trabajar con la resistencia en situaciones liminares como la que vivimos en la actualidad, tiene que ver también  con lo innovador y experimental y de alguna manera con la invención. El proyecto Ajuar Doméstico indaga y cuestiona los límites entre arte, diseño y artesanía y muestra un interés parcial por el mercado, directamente relacionado con la aventura y reacción parcial ante el estándar «internacional» de diseño.

Si bien, puede afirmarse que los medios de producción y el mercado  determinan el producto y la producción de los objetos, una producción artesanal puede acercarlos a una reflexión sobre la y el artesano y el taller como espacio social y productivo.

El que trabaja como artesano-a es capaz de asignar  valor positivo a la contingencia y la limitación, como en estas imágenes del proceso de trabajo llevado a cabo por Mar De Dios para la realización de un conjunto de platos que forman parte del proyecto. El lugar de trabajo señala el estado primitivo y la dimensión espiritual y material de los objetos que apuntan a posteriores hallazgos de los que hoy estamos tan necesitados.

En Limitrofías, un bello libro escrito y diseñado por ella misma donde presenta sus trabajos, Mar De Dios aborda  con inigualable brillantez, el tema de la autoría y la dificultad de encontrar un lugar y una voz propia para la artista en la sociedad de ahora mismo.

Alcanzada la licenciatura en Bellas Artes, y tal vez anticipando dificultades de lo que podría ser en la actualidad la actividad cotidiana para una  joven licenciada en Bellas Artes, Mar De Dios emprendió deliberadamente con el aprendizaje de la técnica de la cerámica, un camino que apela a la actividad artesanal como impulso a vencer una resistencia y a trabajar con la resistencia misma, entendiendo que tal vez lo más característico de nuestras sociedades sea su efecto de transformación estructural en cuanto a las relaciones de producción. A ese momento pertenecen estos platos que diseñó y prototipó y que ahora rescatamos para el proyecto Ajuar Doméstico

Dice Richard Sennett en El Artesano: La actividad corporal repetida y la práctica permiten al artesano desarrollar la habilidad desde dentro y reconfigurar el mundo material a través de un lento proceso de metamorfosis.

Fue el pensador alemán Theodor W.Adorno (1903-1969) fundador de la célebre Escuela de Francfort, uno de los más influyentes inspiradores del movimiento político cultural del 68, un atento observador de la condición social de la mujer de su tiempo y de  su concepto de  dialéctica negativa y teoría crítica intentaremos rescatar algunas intuiciones acerca la incesante transformación de lo real, que tendrían que servirnos para explicar en parte las contradicciones reales de la sociedad de ahora mismo, pues entendemos que el buen desarrollo de los objetos está familiarizado con el ayer, pero reconoce las necesidades de hoy mientras trabaja para el mañana, y siguiendo a este célebre autor, el verdadero conocimiento ha de dar cumplida cuenta de la totalidad entendida como dialéctica, pero descartando cualquier posibilidad de una conceptualización definitiva.  Desde esta perspectiva  el proyecto Ajuar Doméstico parte de un no ideal metodológico, sino de la cosa misma. Un proyecto relacional  entre el arte y el diseño fundamentado en la idea de la creación de objetos.

Liberados de la mentira de ser verdad, estos «adornos» de Miren Lore Garmendia nos sorprenden y atrapan por su levedad poética.

Encontramos un nexo antitético entre estas obras de Miren Lore Garmendia y Mínima Moralia, el libro de Theodor W Adorno escrito en las significativas fechas que, por razones históricas y personales del autor, le hacen escribir desde un forzoso recluimiento en su intimidad propiciando una concentración creativa, ajena a la oficialidad.

La satisfacción desinteresada que producen las obras de arte, solo puede entenderse a través de una antitética histórica que continúa vibrando en todo objeto estético. Lo que se contempla desinteresadamente causa satisfacción porque una vez atendió a un interés extremo, que precisamente lo alejaba de toda contemplación.

Normalmente utilizamos la palabra forma para indicar el diseño de los objetos, no obstante la tradición griega establece la adecuada distinción entre los términos eidos (de raiz id, ver) y morphé (es decir, la materia modelada) dando a entender que la forma ideal y abstracta del objeto solo encuentra su realidad corpórea y su posible capacidad de ser disfrutada gracias a los materiales que realmente le dan forma.

 

 

 

 

El sociólogo francés Pierre Bourdieu (1930/2002) considerado uno de los más importantes de la segunda mitad del siglo XX  por la relevancia de sus investigaciones en los campos de teoría social y sociología de la cultura acuñó conceptos como Hábitus (Formas de obrar y pensar) y Campo (Espacio social de desarrollo) que dotados de una muy sutil finura intelectual y vocación de originalidad se materializaron en publicaciones como «La Distinción: Criterio y bases sociales del gusto» editada en 1979. En esta obra impone una lectura formalista de la obra de arte y una reformulación sobre las tradicionales interrogaciones acerca del arte, lo bello, el gusto, lo adecuado y lo inadecuado, lo que vale la pena y lo que no vale la pena…. Desde estos parámetros podríamos simplificando mucho, definir el habitus como un conjunto de esquemas generativos a partir de los cuales los sujetos perciben el mundo y actuan en él. Y al gusto, como la extraña capacidad de hacer distinciones que nos distinguen.

…. Es por eso, que partiendo de estas premisas consideremos en Imatra que frente al descomunal poder de influencia de las redes sociales, la publicidad, y el consumo, quizá lo más característico de las nuevas sociedades sea su transformación estructural en cuanto a las relaciones de producción y es en esta transformación donde las prácticas artísticas pensamos deben encontrar su lugar en relación a todos los procesos de transformación.

Desde esta perspectiva, en Imatra pretendemos una intermediación entre artistas, clientes, amigos y visitantes para la producción  distribución e intercambio de objetos de uso práctico -o no tan práctico- pero que tengan la capacidad de mover a reflexión, pensados para la casa, agrupados bajo la denominación Ajuar Doméstico. La casa y lo doméstico es el ámbito desde donde entendemos esta iniciativa como un modo de alimentar nuestras necesidades de sentido y deseo, de significado y placer porque la casa, ese pliegue de lo íntimo es por excelencia el lugar de la reciprocidad, la hospitalidad y el intercambio y elegir el ajuar doméstico es una manera de hacer distinciones que nos distinguen en el sentido de un consumidor atento que elige su opción.

En esta primera entrega presentamos un mantel de los artistas Ana Esther Calle y Luis Candaudap  pensado como regalo de bodas, nada convencional  para unos amigos. El mantel como lugar emblemático donde se despliega el don como lugar  de la reciprocidad la hospitalidad y el intercambio.

En la imagen superior detalle del mantel, con la mesa en ese tránsito en que los alimentos están ya a punto en el horno, esperando que alguien elija el vino, y el vino elegido llene las copas y se suba con levedad a la cabeza de los comensales.

Sobre estas líneas una de las servilletas. Más información en Imatra info@imatrabilbao.com c/Costa 12-14 48010 BILBAO

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El artista como productor

El arquitecto y segundo director de la Bauhaus Hannes Meyer (1884/1954) proyectó la instalación «Co-op interieur 1926» como un espacio vacío y blanco. Si las nuevas sociedades pueden hoy ser definidas como sociedades del trabajo inmaterial, es decir, sociedades del conocimiento,debemos reconocer entonces la labor de las y los artistas

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Casas

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El universo Austral

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Patrones textiles

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Arquitectura de resistencia

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Armonía y número

En la Teoría Pitagórica el Cosmos entero es armonía y número, pues la teoría pitagórica tenía un origen parcial en el descubrimiento de las sorprendentes analogías que se dan entre la música y las matemáticas. ¿Cómo habría empezado el asunto?…. Al parecer, Pitágoras, encontrándose casualmente en una fragua, oye cómo

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Girl with Machine

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Pensar con las manos

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Ornamento sin culpa

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La Distinción

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